451kkk's

Convocatoria

galeria451 — Sat, 06 Mar 2010 21:07:25 +0000

Obra de Fabiola Farias

galeria451 — Tue, 05 Jan 2010 01:38:06 +0000

Sin titulo

Modelado en barro blanco

$100 c/u

Obra de Joel Uicab

galeria451 — Tue, 05 Jan 2010 01:33:52 +0000

Lego

Modelado en barro

$50 c/u

Obra de Indigentesinvida

galeria451 — Tue, 05 Jan 2010 01:28:50 +0000

Reunion familiar

Oleo sobre tela

$2, 500

Obra de Rodrigo Quiñones

galeria451 — Tue, 05 Jan 2010 01:23:02 +0000

Monumento alector

Tecnica Mixta

$1, 600

Obra de Eugenio Encarnacion

galeria451 — Tue, 05 Jan 2010 01:15:43 +0000

Vaciado sobre yeso

$100 c/u

Obra reciente de Michel Maugee

galeria451 — Tue, 05 Jan 2010 01:02:17 +0000

El paseo

Oleo sobre tela

$9, 000

La Noticia
Linograbado
$1,250 con marco
$1,000 sin marco

Resonancia
Linograbado
$1,350 sin marco
$1,750 con marco

Interesante replica de A. Kurtz a un texto de Avelina Lesper que engloba el descontento hacia el arte contemporaneo.

galeria451 — Mon, 04 Jan 2010 23:44:12 +0000

Tomado de http://akurtz.blogspot.com/2009_03_12_archive.html

RE: AVELINA LÉSPER

El siguiente texto tiene la intención de hacer una réplica simultánea de un texto que apareció en el suplemento LABERINTO de Milenio. Espero lo disfruten.

ARTE EN Y PARA EL MUNDO REAL

Avelina Lésper

Cuando un crítico dice que el estado del arte contemporáneo es penoso lo acusan de reaccionario o de que no entiende. O, en el mejor de los casos, se le pedirá que explique, que expanda un poco en su idea. Pero hoy ya son los artistas los que hablan. ¿Todos? ¿TODOS los artistas? En este momento ha surgido un movimiento de pintores, escultores y dibujantes ¿Dónde están los teatreros, los bailarines que están hartos de ciertas manifestaciones de danza contemporánea, los músicos? ¿No son acaso también artistas? que se han unido para crear un frente y manifestar su Hartismo ¿No sería más bien su “hartazgo”? ante al arte contemporáneo y hacer un análisis detallado y pasional de la situación del arte. ¿No es el análisis de la realidad de los artistas contemporáneos igualmente pasional y detallado, incluso más, en los mejores casos? Este grupo llamado Hartismo (www.hartismo.blogspot.com ), porque están hartos nos queda claro que están hartos, tiene su base en Guipúzcoa, España, y está afiliado al Movimiento Stuckism (www.stuckism.com) que se inició en Inglaterra en 1999 y hoy está presente en 80 países con más de 140 sedes. Mhmmmm…Suena a religión. Quizás lo sea. Como lo es el arte contemporáneo. Éstos son algunos de los puntos del Manifiesto Hartista que sintetizaré por razones de espacio. Comencemos, pues.

1. Estamos Hartos del arte oficial y sus artistas. Los Hartistas trabajamos con nuestras manos, en y para el mundo real.

Primero que nada, me preguntaría cuáles son los parámetros que actualmente legitiman u oficializan al arte contemporáneo. Porque supongo que el arte contemporáneo es el que señalan como “oficial.” No sabría decir con certeza si su legitimación está sentada firmemente. Probablemente el campo está asumiendo una de sus tantas aproximaciones a las nuevas tendencias como “modas,” que nos sean “modos” de hacer arte.

Por otro lado, la segunda afirmación suena a consigna por la lucha obrera; además, no veo que exista otro mundo desde donde trabaje cualquier artista, independientemente del modo como produzca su obra. No se puede hacer absolutamente nada en este mundo que no provenga del mundo mismo.

2. Estamos Hartos del elitismo, de que el arte sea sólo para algunos privilegiados. Queremos que el arte sea devuelto al público.

¿A qué público os referís? ¿Al pueblo? ¿Ha sido el arte del pueblo en algún momento en la historia? No, en serio, ¿ha sido realmente del pueblo, para el pueblo o por el pueblo? No obstante podemos remitirnos al paleocristiano o al arte de las cavernas (donde, por cierto, el dibujante rupestre trabajaba en el mundo real, mismo que no fue descubierto hasta muuuuuucho después, y que trajo como consecuencia que las formas plásticas que ustedes benditamente consagran como “reales” fueran severamente criticadas por la versión más chimengüenchona de ustedes en el siglo XIX), difícilmente puedo ubicar al arte fuera del espectro social. Pero no le “pertenece” al pueblo. Le pertenece al mundo. (Digo, ya que estamos en proclamas románticas, ¿por qué no?)

3. Estamos Hartos de que sólo opinen “gurús” y expertos. Opinemos libremente, es tiempo de reírnos en público de los estrambóticos montajes, de las cosas pretenciosas y ridículas que los artistas, comisarios y políticos presentan como arte.

He aquí otro problema. Por un lado: yo puedo asegurarles, al cien por ciento, que alguna de sus obras, las que producen ustedes, hartistas, no distan mucho de ser apreciadas con una mirada acuciosa y de rechazo, por parte de dos que tres señoras emperifolladas que no les gusta que los cuerpos en el arte se deformen, o que se utilicen demasiados colores expresivos en las pinturas. Esto es, su obra artística podría sufrir de la misma displicencia –a veces grosera—con la que aproximan una obra de arte contemporáneo.

Por cierto, aquí una pausa: no me he detenido a ver las obras de los miembros de este grupo. Quisiera hacerlo en estos momentos. Ahorita vengo…

(pausa)

…OK. Aunque mi revisión no fue exhaustiva, porque en realidad se trata de una cantidad considerable de “hartistas,” (me molesta un poco el mote; sería mejor que ustedes recurrieran al uso de la A mayúscula para referirse a su movimiento: decir que se conformaron porque están hartos de lo que ocurre en el mundo del arte actual los desmerece, y ya que proclaman que el arte es una cosa viva, manual, orgánica, vital para la existencia y para el rito del espíritu humano, no tiene nada de malo devolverse a aquellas definiciones de principios del siglo XX que llegaron al mundo del arte. Por lo tanto, proclámense Artistas, ya que, según entiendo, ustedes realizan un arte verdadero, wtftm), debo aceptar que sus obras son buenas. Es cierto, derivan de lo que se ha producido en los últimos ochenta años de arte en el mundo, pero son buenas. Pueden situarse bien como consecuencia de las principales exploraciones del arte moderno, aunadas a una recuperación del realismo, pero tomado desde la perspectiva del fotorrealismo. Es una tétrada recurrida en muchas de las prácticas artísticas contemporáneas, de todos aquellos artistas actuales que no se han podido insertar en el marco de la contemporaneidad. Dicha tétrada consiste en:

a) un énfasis en los valores expresivos de la plástica, ahí donde la realidad pintada imprime el sello indicial/expresivo del creador;

b) variaciones del arte moderno de principios del siglo XX, entre un cubismo que recupera la forma mas no la intención, y dos que tres pintores de la época (un poco de Matisse, un poco de Delaunay), que juegan con la línea expresiva y el color sensible;

c) una valoración de los elementos fantástico-ultraterrenales del arte surrealista. Porque los Artistas siempre están adscritos a la fantasía y al imaginario extraterrenal. Blake y en parte Goya tienen la culpa de esto, a no decir de Dalí, a todas luces el padre fundador de todos aquellos artistas actuales que se sienten restringidos por el cinismo de Warhol y el intelectualismo acucioso de Duchamp.

d) el susodicho recurso de la hiperrealidad. Que viene siendo una suerte de reemplazo de los códigos de representación heredados del Renacimiento.

No soy gurú, pero me considero con una formación visual lo suficientemente nutrida como para poder considerarme “experto.” Por cierto, ¿no requieren ustedes también de voces expertas que puedan hablar sobre lo que hacen? ¿Consideran que deba prescindirse de ellos?

4. Estamos Hartos de la consigna interesada de que el arte y la pintura han muerto. Estamos Hartos de que el dinero público se destine a sufragar actividades extravagantes propias de atracción de feria, que restan seriedad al arte y a los artistas que queremos trabajar con seriedad.

Pongámonos de acuerdo: ¿el arte y la pintura? ¿Qué es lo que ha “muerto”? Indudablemente, la pintura no, así como cualquier práctica disciplinaria que requiera de cuerpo, manos y voz para elaborarse. Lo que sí considero que han muerto son las categorías tradicionales de entendimiento sobre lo que una obra de arte es. Y es un discurso bastante agotado, incluso.

Asimismo, lo que efectivamente también han muerto son los códigos representacionales tradicionales. No es que no se permitan, o que no se desarrollen en el discurso visual de un artista (¿o hartista?), sino que su campo de comprensión ya no es el mismo, ya no puede comprenderse de la misma manera que en el pasado. Sería un retroceso así como una ingenuidad terrible pensar que el mundo actual, que esta realidad, pretenda seguir representándose bajo los códigos heredados de hace más de tres siglos.

Muchachos: jamás van a poder pintar como Caravaggio. Por otro lado, sería un ejercicio fútil hacerlo. Porque el modo de ver la realidad de Caravaggio ya no pertenece a nuestra realidad. Puede entenderse a Caravaggio, puede entenderse esta realidad, y asumir los códigos representacionales de este pintor para aproximar la realidad. Pero, ¿a dónde nos llevaría? ¿A una representación teatral, dramatizada de, por ejemplo, las atrocidades de la guerra en Irak? ¿Las muertas de Juárez? Sería una realidad insostenible.

Por otro lado: el arte SIEMPRE ha sido una atracción. De feria, de teatro, de absurdo, de marco para la expresión de individualidad. No obstante mucho del arte contemporáneo puede convertirse en un espectáculo vacuo y lleno de pretensiones infundadas, igualmente ha servido para aproximar la complejidad de la realidad desde posturas y visiones que van mucho más allá del simple trabajo de un artista romántico encerrado en su estudio, en busca del “sentimiento.”

5. Estamos Hartos del anti-arte. Partiendo de una idea jocosa de Duchamp, el anti-arte es hoy el arte oficial, justo el enemigo contra el que se acuñó el término. Duchamp rechazaba que sus ready-made se tomaran como arte.

OK, aquí sí concedo lo siguiente: ciertas propuestas de arte, generadas bajo la consigna duchampiana, han sido legitimadas por el campo, el mismo que había sido criticado por las posturas anti-arte. Pero esto forma parte del juego: el campo es criticado, el campo coopta los modelos generados por la crítica, la crítica contraataca. Esto se ha venido desarrollando durante años y años. Me pregunto si ustedes serán quienes regresarán la dimensión “plástico-expresiva” al ámbito del arte. Lo dudo, no porque no puedan o no tengan el mérito, sino porque las cosas son un poco más complicadas que el retorno a la plasticidad.

6. El anti-arte no quiere convivir con el arte, necesita exterminarlo para ocupar su lugar. Los anti-artistas saben que si hay arte cerca nadie presta atención al anti-arte. Entre un buen cuadro y una lata de mierda, la gente normal prefiere el cuadro. El Hartismo es un movimiento anti-anti-arte.

Y luego nos encontraremos con un movimiento anti-anti-anti-arte. El arte –y aquí me regreso a una de las pinturas más emblemáticas de todos los tiempos: Las Meninas de Velázquez—es un asunto de TODOS. Conviven en estos tiempos –y esto es lo que convierte a dichos tiempos en una situación tan complicada, confusa y difusa—tanto la lata de mierda como la pintura alegórica, creada en algún estudio de barrio boho en Barcelona, hecha por un pintor absolutamente maravillado por su capacidad mimética, forman parte de esta realidad. Que los parámetros curatoriales estén ahora enamorados de obras que nublan disciplinas y proponen ejercicios metonímicos con recursos que dejan de ser meramente manuales, eso no es culpa de nosotros.

Por otro lado: no existe la gente normal.

7. Estamos Hartos del conceptualismo. Todo el mundo tiene ideas, lo que diferencia al artista es la capacidad de crear obras valiosas a partir de las ideas. La idea es un pretexto para llegar a la obra, no al revés.

OK. ¿Están hartos también del arte-instalación? ¿Qué tal del land art? ¿Están hartos que se legitimen obras artísticas alejadas del estudio del artista, mismo que, curiosamente, contamina sobremanera el medio ambiente con el uso de químicos, desechos de pintura, a no decir de los metros y metros de papel que se consume en sus bocetos? ¿No se han dado cuenta de la enorme huella de desechos tóxicos que le están legando a la humanidad, más allá del legado de unas cuantas pinturas? ¿Lo ven? Las cosas no son tan fáciles de descartar.

8. Estamos Hartos de que presenten cosas que requieren de historias y explicaciones. Si esto es necesario es que no es arte. El discurso no cambia al objeto.

El discurso cambia al objeto. A partir de lo que se conoce sobre una obra reconocemos su contexto, nos otorga algo que muchas veces olvidamos es una de las premisas del arte: conocimiento. De seguro ustedes odiaban sus clases de historia del arte. Ahí donde el maestro o maestra tenía que ofrecerles una contextualización que les permitiera hacer lecturas más comprensivas de las obras del pasado. El pasado del que ustedes están enamorados. Sin estas explicaciones, sólo sabrían que Rubens pintaba monitas regordetas, y que la sonrisa de la Gioconda es “enigmática.”

De lo que yo estoy harto es que pensemos que el arte es para obtener un placer meramente visual. Esa noción es de un aburguesamiento apabullante. Imagino las tertulias, escuchando a Bach mientras toman vino barato y se regodean por las láminas tan preciosas de algún maestro antiguo. Se maravillan porque “híjole, qué bárbaro, es tremendo. ¿Cómo le hacían para pintar/esculpir así? ¡Qué técnica! ¡Qué maestría!”

9. Rechazamos la idea de que el proceso es más valioso que la obra, porque el proceso sólo tiene sentido si al final hay un resultado, una obra.

El proceso no es más ni menos valioso que la obra. Pero es parte integral del discurso visual contemporáneo. Porque ya no hacemos obras inmersos en nuestras muy pretenciosas burbujas, porque la vida humana contemporánea es mucho más dinámica que la que vivieron los artistas en el siglo XIX; porque estamos interconectados; porque podemos formarnos visualmente a partir de una cantidad considerable de reproducciones digitales de obras, sin jamás pisar una galería o museo, y tener una noción bastante aguda sobre lo que el arte es; porque a veces las obras –como la realidad—merece más que la simple ejecución fáctica de un objeto; porque los procesos son parte vital del entendimiento ya no del arte, sino de la realidad.

10. Estamos Hartos de que la originalidad y la novedad sean patrones para designar el valor de una obra. El arte oficial “moderno” sólo es una reiteración de formas y maneras que insultan a la inteligencia.

Se me figura que ya no sabían qué más escribir. O están demasiado inmersos en sus pequeños mundos de rosa como para no recordar que la originalidad y la novedad son paradigmas de pensamiento, no patrones de legitimación de obras artísticas. Si quieren cambiar ese paradigma, lo tienen que hacer en todos los ámbitos: el modo de producción capitalista es el que determina dicho paradigma, no el mundo del arte.

Por otro lado, la frase “El arte oficial ‘moderno’ sólo es una reiteración de formas y maneras que insultan a la inteligencia” bien pudo haber sido proclamada en algún pasquín mal colocado en una ciudad provinciana de Europa o Estados Unidos circa 1920.

11. Estamos Hartos de que los que no utilizan sus manos se autodenominen artistas. Para ser artista hay que pintar, dibujar, esculpir, no basta pensar.

Para ser artista hay que hacer obras. Es un campo de comprensión mucho más dinámico que referirse a pinturas, esculturas o dibujos. Así que no entiendo. ¿Entonces el artista es una persona con capacidades especiales? ¿Entonces el artista no es como el resto del pueblo al que defienden?

¿Tiene una función o misión especial, de usar sus habilidades manuales para comunicarse con el pueblo, los legos, los que recibirán con gusto sus figuraciones fantástico-expresivas? ESO insulta a MI imaginación.

12. Estamos Hartos de que se desprecie la tradición. Rechazar la tradición artística es rechazar la posibilidad de innovación. La tradición enriquecida por la vanguardia constituye nuestra cultura artística.

No sé de dónde proviene el desprecio a la tradición. No sé si es una proclama al interior del sistema del arte. Lo que sí sé es que los principales artistas contemporáneos tienen una noción muy pero muy clara de la tradición. Como lo fue Velázquez, como lo fue Cézanne, como lo fue Duchamp, Picasso, Warhol, Sol LeWit, Rauschenberg y hasta el más actual Damien Hirst, todos ellos tenían y/o tienen un conocimiento agudísimo del arte, su historia y su desarrollo.

13. Estamos Hartos de que la crítica y la historia del arte sobrevalore las vanguardias del siglo XX, minimizando el hecho de que se han agotado y muerto y son mantenidas con vida artificialmente.

No sé a qué vanguardias se refieren. Muchas de las obras que ustedes producen pueden enmarcarse en algunas de estas vanguardias sobrevaloradas del siglo XX. Si no son precisos, puedo llegar a la conclusión que el Cubismo está agotado y muerto. Que por cierto, sí que lo está.

14. Estamos Hartos de que se extirpe la belleza de los discursos, la belleza es el objeto último del arte. Rechazamos que la fealdad y la pobreza técnica sean la máxima aspiración.

No creo que la fealdad y la pobreza técnica sean la máxima aspiración de un artista contemporáneo. Tenemos casos, tristes casos, que lo único que hacen es confundir al espectador con respecto a los elementos de valor contenidos en una obra de arte. Sin embargo, no pienso que alguien como los hermanos Chapman produzcan obras bonitas, bellas: sus obras son feas, o grotescas mejor dicho, y utilizan recursos técnicos que van más allá de lo que se considera como “arte malo” contemporáneo. Del mismo modo, tampoco creo que la máxima aspiración del artista es llegar a una maestría técnica.

Ahora, ¿se extirpa la belleza de los discursos en el arte contemporáneo? No lo creo. He tenido oportunidad de enfrentarme a obras contemporáneas de una complejidad, de un rigor metodológico y propositivo, que no me deja más que boquiabierto, absorto en mi imaginación: un paisaje elaborado con cientos y cientos de calcomanías recicladas de fábricas que se dedican a producir videocasetes, CD’s, cintas magnéticas, etc.; una sutil profusión de casitas hechas con migajón, alineadas en representación de los nuevos conceptos de vivienda como líneas de producción; y así sucesivamente. Créanmelo, sólo es cuestión de abrir los ojos y cerrar nuestros constructos culturales de lo que una obra de arte es: el arte contemporáneo puede ser de una belleza inconmensurable. Lo que se deben reprobar son los parámetros de selección, no la producción artística contemporánea como tal.

15. Estamos Hartos del sistema actual de enseñanza. El artista necesita más práctica y menos palabrería. Reivindicamos el valor del dibujo al natural como base de las artes plásticas.

Me gustaría remitiros a los estudios que se hicieron sobre los talleres artísticos durante el Renacimiento. La formación intensiva e integral de los estudiantes. No creo que un Leonardo Da Vinci haya dicho en algún momento: “estoy harto de las palabrerías de ese mentado Platón. Yo quiero hacer pinturitas y helicópteros que no funcionan.”

16. Estamos Hartos de la fascinación por las nuevas tecnologías informáticas o audiovisuales. A más de 40 años del primer ordenador es una estupidez creer que hay novedad o ingenio en utilizarlos.

Cuidado: corren el peligro de comerse su propia cola. Porque yo puedo decir: a más de cuarenta años de la primera obra conceptual es una estupidez creer que es una simple moda del arte contemporáneo.

17. Estamos Hartos de las “nuevas propuestas”, como la instalación, el performance, el videoarte, que son una manera de esconder la incapacidad de crear una buena escenografía, buen teatro o una buena pintura.

Os remito a la respuesta que ofrezco para el punto 7. Amigos, está canijo: ¿cómo son capaces de utilizar categorías tan antiquísimas como “lo bueno” para referirse a las obras? ¿Qué demonios entienden por una “buena pintura”? ¿No tienen idea que están regresando a parámetros de entendimiento del arte que datan más allá de sus propias líneas genealógicas?

18. Estamos Hartos de que se crea que somos una minoría. El Hartismo es una tendencia con vocación universal.

Os felicito por ello. Veamos quién gana la contienda. Porque ¿es contienda, no?

Identidades

galeria451 — Tue, 15 Dec 2009 18:41:42 +0000

Identidades

¿Que es la identidad?, ¿Soy esa imagen que veo en el espejo, soy esa imagen que produsco?, ¿Que tanto influyen los otros en mi identidad?.¿Son los diferentes tipos de conocimientos que nos atraviesan los que nos conforman y determinan?, ¿Somos consecuencia de nuestra engañosa memoria?

Somos seres en constante mutacion evidencia del tiempo transcurrido y del lugar en que nos toco nacer, aunque no lo hayamos escogido.

Posibles respuestas a estas preguntas son las obras que conforman esta exposicion.

Jose Luis Bojórquez Camara

Joel Uicab Cruz

Get back

25 x 45 cm

Fotografia y tinta/foamboard

Jonathan Cu Garcia

Carne de carne

Tecnica mixta

Medidas variables

Fabiola Farias Barragan

Taco de lengua

Fotografia digital y plumon

Medidas variables

Sofia Vital Chable

Objetualismo

Tinta y papel

Medidas variables

Arely Pereyra

Grow up and blow away

Fotografia analoga

Triptico 10 x 8 c/u

Elizabeth Wejebe Iberri

Cafe

Instalacion alambre, servilletas y cafe

Medidas variables

Angel Gabriel Gongara Canul

Autoretrato

Transfer, grafito, vidrio y yeso

35 x 20 cm

Jose Luis Bojorquez Camara

Investigación Autobiográfica

Instalación hojas y ramas de almendro

Medidas variables

Stefania Rivadeneyra

ADN

Papel carbon y tinta sobre tela

Medidas variables

Hector Zubieta Medina

Bala Perdida

Carton y modelado en yeso

30 x 10 cm

Susana Raquel Cervantes

En la espera

Instalacion

Medidas variables

Oriana Boutin Sanchez

In Lakech

Multimedia

Vienes a Ruinas y Efugios.

galeria451 — Sun, 13 Dec 2009 01:24:23 +0000

Al entrar a la exposición de Geo Cetina todo se volvió más de noche que la misma noche de aquel martes 8 de Diciembre de ahí afuera. Lo primero que encontraste es un video donde unos monitos van corriendo a estrellarse, uno tras otro, formando una masa incompresible de cuerpos hechos miarda contra la pared. Dentro del mismo cuarto de la Periferia, a tu lado derecho descansa una pequeña instalación de esos mismos monigotes, que resultan mucho más pequeños de lo que esperabas, haciendo cola para ir a aplastarse entre ellos.
En el segundo cuarto verás un video, de plastilina como el resto de la exposición, donde una cara que va desfigurándose va dictándole órdenes en francés a una mujer (que eres tú, el espectador-lector), diciéndole que por qué no se vuelve una puta y coje hasta que se le caiga una pierna, a ver si sin pierna te irían a ver bonita. Después diste con un cuarto, singularmente llamativo, donde una de esas miniaturas cae rendida, y también en francés, pero en apenas tres o cuatro líneas, la poesía visual nos retrata a ambos el hastío de la rutina.

También a tus lados encontraste esas curiosas instalaciones de lo que acababas de ver, en su tamaño original para que percibas desproporción, por lo que acababas de ver en un juego de luces y a otra escala sobre las paredes o en la primera televisión. Es precisamente en este momento, en que decides entrar al último cuarto. Ahí verás dos televisiones, acomodadas dentro de una especie de vagina u óvalo perfectamente bien cerrado. En ambas la rutina-trabajo es expresado de forma repetitiva, sientes el cansancio sólo por mirar aquello repetirse una y otra vez.
Luego sales al patio y Gabito levanta la voz diciendo:
Están todos cordialmente invitados al brindis que habrá en un momento en el cuarto de atrás.
¡En el cuarto de en medio! – corrige Débora Carnevalli.
Ajá, es que estamos adelante, entonces el cuarto de atrás es donde habrán bocadillos y cerveza – termina.

Empiezas a colarte entre la artisteada para llegar al cuartito sin techo que te espera con una mesa con panes verdes y duros, cerveza en vasos de plástico y gente platicando en círculos cerrados. Ahí es donde te preguntas ¿Será que la poesía de los videos es de la autoría de Geo? Posiblemente lo dijiste en voz alta, así que tal vez alguien te conteste Claro, pues ¿de quién más? Y contestas Pues es que está en francés, aparte está bien chida. Y lo más seguro es que ese alguien que te contestó por primera vez te haya dicho Pues simplemente recitas en francés y lo grabas, mucha gente sabe francés. Pero tu duda es peor que eso, y terminas No creo, quiero ver el papelito para ver si en realidad son de su autoría.

En el papelito que escribió Ragel no resuelves si eran de su autoría, pero aun así tu crees que sí fueron escritas por ella y de hecho terminas confundiéndote más por haber leído ese extraño texto. Decides irte. Caminas entre toda esa extraña gente pensando que la exposición se trata del trabajo, la rutina. Las horas de trabajo, no sólo del trabajador común, si no de la propia artista que fue movimiento esos pinches muñequitos, uno por uno, hasta lograr esa animación tan trabajosa. Finalmente reflexionas que no trabajas, ni estudias y que te vale verga si la demás gente trabaja y si le cansa o no, por lo tanto te siente ajeno y decides seguir chupando en otro lugar, porque se vería muy chayote mamarte sólo de la cheva que ahí regalaban.
Alfredo Bojórquez.